Sunday, March 03, 2013

Five questions to Larry Fast

Lawrence Roger Fast was born in Newark, New Jersey (USA) on December 10th, 1951. Since his childhood Larry was very interested in music and electronics. He started to build early electronic circuits about 1966 and his first contact with the Moog modular synthesizers was on 1968. Some of his own designed devices started to be sold on commission on late 1971. Larry attended Lafayette College in Pennsylvania, where he obtained a degree in history in 1973.

In the early '70s, Larry Fast had the opportunity to meet Rick Wakeman, who played with the famous progressive rock band Yes at that time and asked Larry to build some synthesizer modules to him. It was just before Yes recorded their live album "Yessongs" (recorded in 1972 and released in 1973) and Rick Wakeman used the modules built by Larry on this album. In June of 1973 Larry went to England to give minor technical support to Rick Wakeman on Yes' album "Tales From Topographic Oceans" while circulating his own music demos to labels in London.

In 1975, Larry released "Electronic Realizations for Rock Orchestra", the first album from his solo project - Synergy - and in the same year he collaborated with the British-German band Nektar on an album ("Recycled", 1975) and the subsequent tour. In 1976 the second Synergy album, "Sequencer" was released (Larry is finishing the artwork to re-release "Sequencer" remastered from the original analog mix tapes in 24 bit 192 khz audio and digipak format right now!). Also in 1976 he was invited to play the keyboards with Peter Gabriel, who had recently left Genesis to become one of the world's most creative and famous artists. Larry played with Peter Gabriel for 10 years (from 1976 to 1986) and recorded 8 albums (in part or whole) with him: PG1, PG2, PG3, PG4, Plays Live, Birdy soundtrack, tracks on Shaking the Tree and So.

During the period that Larry was the keyboard player of Peter Gabriel's band, he found time to consult with Moog to develop at least two very famous synthesizers, the Polymoog (1976) and the Memorymoog (1982) and also kept his Synergy project, releasing 6 albums more: "Cords" (1978), "Games" (1979), "Audion"(1981), "Computer Experiments, Volume One" (1981), "The Jupiter Menace Soundtrack" (1982) and "Semi-Conductor" (1984). In the late '80s he worked as the A&R coordinator and executive producer for The Audion Record Company, the legendary electronic music label and released "Metropolitan Suite" (1987). In 1998 Semi-Conductor Release 2 was released with a lot of bonus tracks and in 2002 "Reconstructed Artifacts", an album containing digital re-recordings of previous Synergy tracks, was released. Most of Larry's Synergy albums were re-released in various editions, some of them with bonus tracks!

I first contacted Larry Fast in 2012 (via email) and when I asked about this interview he was very gentle and kindly said yes to my request, and even being a very busy man, Larry found some time to answer to my questions! Thank you Larry!!! And here's the interview:

ASTRONAUTA - How and when did you start in music? What are your earliest memories about your musical beginings? And how, when and why did you become interested in electronic music?

LARRY - It was a combination of my twin interests in music and electronics. At first the electronics was strictly about the recording side of music, but by the late 1960s I was experimenting with using electronics to create sounds, too. It started with some very primitive transistor oscillators and evolved into simple synthesizer modules that I built for myself and some other musicians. I had been an electronic experimenter since I was a kid, building and writing things ever since I soldered my first wires together in the 1950s. I also loved listening to music and took lessons on violin and piano, and later self-taught myself guitar and bass. Couple that with hi-fi and stereo, tape recording and the various aspects of audio circuitry and I was primed for electronic music. When the Moog products evolved into instruments systems from individual modules between 1964 and 1967 I wanted to own some of them. But still being in school at that time there was no way I could afford those thousands of dollars. So I started building my own devices. Some from circuits I found in technical magazines and others that I developed myself from classic oscillator and filter circuits. One of my first oscillators was a actually modified Morse code practice oscillator.

By early 1970s I was building electronic devices for other musicians such as Rick Wakeman from Yes. But I had also started to write and record to satisfy my own creative learnings. By then had managed to scrape together enough money to buy some genuine Moog instruments which were superior to my own designs and construction. I used the combination of Moog and my own equipment to work with bands and on my own. After a short-lived band experience I was offered a record deal in 1974 for what would become the Synergy solo electronic project.

ASTRONAUTA - You have a degree in history and you're also interested in architecture, photography and musical technologies (both analog and digital). How do you see the relations between this interests and your knowledge in this areas and the music you create?

LARRY - I see a lot of connections among all of the disciplines you listed. The parallels between architecture and the structure, embellishment and form of music seems quite obvious to me. The graphic arts also have analogs to the form and content of musical sonics. There can be abstraction, realism, minimalism and so in both sonics and imagery. There is also the historical component to revisit what once was fashionable, understand it in its context and to document what came before. If it had creative value at one time, does it still have value now? Are the lessons to be learned?

The relationship among the different creative arts and historical documentation is obvious to me. In my work, both professional and volunteer, there is a lot of digging to understand these relationships, but a particular focus of mine is to understand the history of technology and the role it has played in making possible the new creative arts. In my creative work, this is always a subtext in the way that I approach my creative work. Now, as I get older, the historical context has become a new theme reflecting on the history of electronic music and even documentation such things as Peter Gabriel's career during the years I was working with him.

ASTRONAUTA - What were the best things (and the worst, if you have one) about working with Peter Gabriel for ten years (1976-1986)? Did he already had listened to your solo albums before he invited you to become part of his band? What's your preferred song and album you've recorded with Peter Gabriel during this period? And how about working with Serge Gainsbourg in his album "Love on the Beat"? Any interesting story to tell about him or about the music you played in this particular album?

LARRY - Peter was already familiar with my first two albums when he asked me to work with him on his first solo album after Genesis. I expect that the work I was doing on my own albums spoke to Peter about an element of the sounds he was looking for in his next phase of his career. There wasn't much that was bad about working with Peter. He is an intelligent and thoughtful individual. It is very difficult to sum up 10 years of varied experiences recording and touring in a few words. We all grow and evolve over that length of time so there was not any stand-out story of good or bad that exists out of the context of the larger narrative over five albums and many tours. The only bad aspect for me is that as I focused on being of Peter's team, my own Synergy work was put into second place. But that in many ways was my choice, not something to blame Peter. The best aspect of the work was that I was challenged to grow as a creative artist in order to contribute to Peter's body of work. His creativity is so special that I had to be at my best to make myself useful to him and our band.

Larry Fast playing with Peter Gabriel
(Levin, Fripp, Hunter, Gabriel and Fast).
I feel that my contributions with Peter hit a creative peak with the work on PG3 and PG4 (known as Security in the US). The recording work, as we performed it live, is captured quite well on the "Plays Live" album set. It's hard to pick out particular songs from this eras. They are all so different and take on different sonic strengths. But a few that I have always liked are "No Self Control" and "Biko" on PG3. There were also a few tracks that were recorded for that album, but for various reasons were never completed. A few of them had some of the strongest moments for me. For PG4, "Rhythm of the Heat", "San Jacinto", "Wallflower" and "Lay Your Hands on Me".

Not much to say about Serge Gainsbourg. He was a client at our studio in New Jersey. I was booked to do some overdubs. It was an honor to meet a celebrity and work on his recording. We talked a bit and shared some common ethnic roots in Europe from before WWII. I created the sounds as requested by the producer and engineer, got paid and went on my way. Very professional, very quick; quite like many of the other New York-area sessions that I've done with artists both famous and not so famous. I wish I had more to tell, but professional recording sessions done by experienced entertainers tend not to be very dramatic. The drama is in the performance itself, where it should be.

ASTRONAUTA - In 1997 you played in a concert with Wendy Carlos' Switched-on Bach Ensemble. Could you tell us how was this experience? Did the concert was recorded or filmed? I didn't find any videos - only photos - from this concert...

Wendy Carlos' Switched-on Bach Ensemble!
LARRY - Even though it was a one-off concert, it was never repeated, it was one of the highlights of my career. It was a lot of work for me. Wendy was one of my earliest friends in electronic music business and we have shared many experiences in the growth and evolution of synthesizers, recording, computers and so on. I was flattered that she asked me to be in her ensemble. It was also scary. Though I had some formal training on piano and some university music courses, the rest of the ensemble was made up of musicians with conservatory training and years of performance experience and academics in the classical field. I simply did not have the level of classical training. I knew that I would have to practice beyond anything I had done on a Peter Gabriel or Nektar tour. I spent months with the Bach sheet music, learning, practicing and making my parts of the electronic "orchestra" so second-nature that I would be perfect on the night of the performance. I didn't quite make it to ultimate perfection, but I did get most of the way there. Even more important, I didn't let my friend Wendy down, nor any of my highly-trained fellow musicians. It was unlike any other performance I've done.

Wendy Carlos' Switched-on Bach Ensemble!
There was no professional video or recording of the concert. I recorded some camcorder videos during the rehearsals and I believe that some of the other musicians made professional audio recordings of the practice sessions. At the show, the theater and the Bach Festival forbid any audio or video recording from the audience. But I've seen parts of a hand-held digital video that did get snuck in on the night. So there is a recording out there somewhere, but nothing professional. For me, my memories are good enough.

ASTRONAUTA - You've recorded 10 Synergy albums using both analog and digital (and hybrid) technologies. How did the changes in technologies affect your methods to compose and record your own music? Do you still have some of the analog equipment you used to record your first albums? What is your preferred synthesizer from the analog days?

LARRY - I still have nearly every piece of equipment, analog and digital that I've ever owned. Many are in storage at my house. My career has been one of getting better refinement and control over the recording process and the synthesis that makes up the sounds. In the earliest days this was from analog synthesizers sound sources recorded to magnetic tape. But my evolution to digital started in 1974 with an Oberheim digital sequencer to control the analog Moog and other synthesizer modules. Soon after that, in the late 1975 I had an opportunity to do project work at Bell Laboratories with digital synthesis and recording on mainframe computers. The expanded horizons of possible sonics and infinite control made analog seem so primitive. I was hooked on digital then. But the expense and sheer size of the equipment made it impractical for most recording and touring. The next year I got my first microcomputers and started adding digital control to my Moog system. Soon after I started doing some digital synthesis recording at Bell Labs. I included those tracks into otherwise analog compositions on my Synergy projects. The way to a digital future was set for me in the 1970s. For most of my career, while using analog I was marking time, waiting for the digital to become smaller, cheaper and more reliable so that it would leave the laboratory and become a working tool that I could use and a composer-producer. I have been firmly in the digital camp for almost 40 years, but of necessity I continued to use analog tools that were available.

My preferred analog devices were the Moog modules which were built and calibrated to the highest professional standards. They were truly the best-produced devices in those years. For a polyphonic instrument in the pre-digital age, I'd have to credit the hybrid analog-digital Prophet 5 from Sequential Circuits as the closest to the Moog standards. I also held the Oberheim products in the high regard, though I didn't own too many of their products.

My use of computer control of the analog equipment in the early days (about 35 years ago) has now evolved to a fully digital environment for both synthesis and recording.

Wendy Carlos' Switched-On Bach Ensemble!
(Christian Martirano, Ettore Stratta, Wendy Carlos, Jordan Rudess,
Gloria Cheng, Mathew Davidson, Clare Cooper, Mayumi Reinhard and Larry Fast).
Tony Levin Band (Pete Levin, Jerry Marotta, Jesse Gress, Tony Levin and Larry Fast).
Equipment used by Larry Fast during the time
he played the keyboards in Peter Gabriel's band.

Cinco perguntas para Larry Fast

Lawrence Roger Fast nasceu em Newark, New Jersey (USA) no dia 10 de dezembro de 1951. Desde sua infância, Larry sempre foi muito interessado tanto por música quanto por eletrônica. Ele começou a construir seus primeiros circuitos eletrônicos por volta de 1966 e seu primeiro contato com o sintetizador modular Moog aconteceu dois anos depois, em 1968. Alguns dos equipamentos projetados por ele passaram a ser vendidos por encomenda em 1971. Larry frequentou o Lafayette College, na Pennsylvania, onde obteve licenciatura em história em 1973. 

No início dos anos 70, Larry Fast teve a oportunidade de encontrar-se com Rick Wakeman, que na época tocava teclados na famosa banda de rock progressivo Yes. Rick perguntou se Larry poderia construir alguns módulos de sintetizador para ele. Isto aconteceu um pouco antes do Yes gravar seu disco ao vivo, "Yessongs" (gravado em 1972 e lançado em 1973) e Rick Wakeman utilizou os módulos construídos por Larry neste álbum. Em junho de 1973, Larry Fast foi convidado para ir à Inglaterra, para fazer pequenos ajustes técnicos para Rick Wakeman durante a gravação do disco "Tales From Topographic Oceans" - lançado pelo Yes no mesmo ano - enquanto suas próprias fitas demo circulavam pelas gravadoras em Londres.

Em 1975, Larry lançou "Electronic Realizations for Rock Orchestra", o primeiro álbum de seu projeto solo - Synergy - e, no mesmo ano, ele colaborou com a banda inglêsa baseada na Alemanha Nektar, na gravação de um álbum ("Recycled", 1975) e na turnê subsequente. Em 1976 o segundo álbum do Synergy, "Sequencer", foi lançado (Larry está neste momento terminando a parte gráfica para o relançamento de Sequencer, remasterizado direto das fitas originais analógicas e com resolução de 24 bit 192 khz e embalagem digipak). Também em 1976, ele foi convidado para tocar teclados com Peter Gabriel, que recém havia deixado o Genesis para se tornar um dos artistas mais criativos e conhecidos de todo o mundo. Larry tocou com Peter Gabriel por 10 anos (entre 1976 e 1986) e gravou 8 discos, inteiros ou em parte, com ele: PG1, PG2, PG3, PG4, Plays Live, a trilha sonora do filme Birdy e algumas músicas presentes nos discos "Shaking the Tree" e "So".

Durante o período que Larry foi tecladista da banda de Peter Gabriel, ele encontrou tempo para ser consultor da Moog no desenvolvimento de pelo menos dois sintetizadores muito famosos, o Polymoog (1976) e o Memorymoog (1986), e também manteve seu projeto solo Synergy, lançando mais 6 álbuns: "Cords" (1978), "Games" (1979), "Audion"(1981), "Computer Experiments, Volume One" (1981), "The Jupiter Menace Soundtrack" (1982) e "Semi-Conductor" (1984). No final dos anos 80, ele trabalhou como coordenador de A&R e produtor executivo no lendário selo de música eletrônica The Audion Record Company e também lançou o disco "Metropolitan Suite" (1987). Em 1998, foi lançada uma segunda versão para o álbum Semi-Conductor, com várias bonus tracks, e em 2002 "Reconstructed Artifacts", um álbum contendo regravações digitais para músicas lançadas anteriormente pelo Synergy. A maior parte dos álbuns do Synergy de Larry Fast foi relançada em várias edições diferentes, alguns deles com bonus tracks!

Meu primeiro contato com Larry foi feito em 2012, por email. Quando eu perguntei-lhe sobre a possibilidade dele conceder uma entrevista para meu blog, ele gentilmente disse sim para meu pedido e, mesmo sendo uma pessoa muito ocupada, Larry encontrou tempo para responder às minhas perguntas! Obrigado, Larry!!! E aqui está a entrevista:

ASTRONAUTA - Como e quando foi sua iniciação musical? Quais são suas memórias mais antigas sobre seus primeiros passos na música? E como, quando e porque você passou a se interessar pela música eletrônica?

LARRY - Foi uma combinação dos meus interesses em música com meus interesses em eletrônica. No início, o fator eletrônico era restrito ao aspecto de como gravar a música mas, no final dos anos 60, eu passei a fazer experiências utilizando equipamentos eletrônicos para criar sons também. Tudo começou com pequenos e primitivos osciladores transistorizados e progrediu para módulos de sintetizadores simples, que eu construia para mim mesmo e para outros músicos. Eu fazia experiências com eletrônica desde que era criança, eu construia e anotava coisas desde que soldei meus primeiros fios, nos anos 50. Eu também amava ouvir música e tive aulas de violino e piano e também aprendi sozinho a tocar guitarra e contrabaixo. Junte isto com hi-fi e stereo, gravadores de fita e algum conhecimento sobre circuitos de áudio e eu estava pronto para a música eletrônica. Quando os produtos da Moog evoluiram de módulos individuais para sistemas completos, entre 1964 e 1967, eu passei a desejar alguns destes sintetizadores. Mas, como eu ainda estava na escola naquela época, não havia maneira de conseguir alguns milhares de dólares para adquirir um. Então eu comecei a construir meus próprios equipamentos. Alguns dos circuitos eu encontrava em revistas técnicas e outros eu mesmo desenvolvia, a partir de circuitos clássicos de osciladores e filtros. Um dos meus primeiros osciladores era, na verdade, um oscilador utilizado para código Morse.

No início dos anos 70 eu estava construíndo aparelhos eletrônicos para outros músicos, como o Rick Wakeman, do Yes. Mas eu também estava começando a escrever e gravar, para satisfazer minha própria criatividade. Nesta época eu já tinha conseguido juntar dinheiro suficiente para comprar alguns instrumentos genuínos da Moog, que eram superiores aos que eu projetava e construia. Eu usava uma combinação de Moogs com equipamentos criados por mim mesmo, para trabalhar com algumas bandas e por conta própria. Depois de uma experiência com uma banda que durou pouco, foi-me oferecido um contrato em 1974, para gravar o que veio a se tornar o Synergy, meu projeto solo de música eletrônica.

ASTRONAUTA - Você é formado em história e também tem interesse por arquitetura, fotografia e tecnologias aplicadas à música (tanto analógicas quanto digitais). Como você vê a relação entre estes interesses, seu conhecimento nestas áreas e a música que você produz?

LARRY - Eu vejo muitas conexões entre todas os interesses que você listou. Os paralelos entre a arquitetura e a estrutura, beleza e forma da música parecem bastante óbvios para mim. As artes gráficas também têm aspectos análogos à forma e conteúdo dos sons musicais. Podem existir abstração, realismo, minimalismo e tudo mais, tanto nos sons quanto nas imagens. Há também o componente histórico, de revisitar o que ja foi moda, compreender seu contexto e documentar o que já existiu. Se algo tinha valor criativo em uma época, teria ainda valor hoje em dia? As lições estão sendo aprendidas? 

A relação entre as diferentes artes e a documentação histórica é óbvia para mim. No meu trabalho, tanto profissional quanto voluntário, existem vários fatores para compreender esta relação, mas um foco particular meu é compreender a história da tecnologia e o papel que ela cumpre ao possibilitar novidades artísticas. No meu processo criativo, isto tem sido sempre um subtexto na maneira como eu trabalho. Agora que estou ficando mais velho, o contexto histórico tem se tornado um novo tema reflexivo, sobre a história da música eletrônica e até mesmo a documentação de coisas como a carreira de Peter Gabriel durante os anos que eu trabalhei com ele.

ASTRONAUTA - Quais foram as melhores coisas (e as piores, se você tiver alguma) sobre trabalhar com o Peter Gabriel por dez anos (entre 1976 e 1986)? Ele já tinha ouvido seus álbuns solo antes de convidá-lo para integrar a banda dele? Qual a sua canção e álbum preferidos entre os que você gravou com Peter Gabriel durante este período? E sobre trabalhar com Serge Gainsbourg no seu álbum "Love on the Beat"? Alguma história interessante para nos contar sobre o Serge ou sobre a música que você gravou com ele neste álbum em particular? 

LARRY - Peter já estava familiarizado com meus dois primeiros álbuns quando me convidou para trabalhar com ele no seu primeiro disco solo, depois de sua saída do Genesis. Eu acho que o trabalho que eu tinha feito nos meus próprios discos chamou a atenção de Peter, por causa dos elementos sonoros que ele estava procurando para a nova fase de sua carreira. Não haviam muitas coisas ruins em relação a trabalhar com Peter. Ele é uma pessoa inteligente e atenciosa. É muito difícil resumir 10 anos de experiências variadas, gravando e saindo em turnês em poucas palavras. Nós todos crescemos e evoluímos ao longo de todo aquele tempo, então não há nenhuma história boa ou ruim que exista fora do contexto da narrativa toda, ao longo de cinco álbuns e muitas turnês. O único aspecto ruim para mim é que, como eu estava focado em fazer parte da equipe de Peter, meu próprio trabalho como Synergy foi colocado em segundo lugar. Mas, de qualquer maneira, isto foi uma escolha minha, não é algo que Peter tenha alguma culpa. O melhor aspecto do trabalho era que me desafiava a crescer, ser criativo artísticamente, a fim de contribuir com o trabalho de Peter. A criatividade dele é tão especial que eu tinha que dar o melhor de mim para ser útil a ele e à nossa banda.

Larry Fast tocando com Peter Gabriel em 1977
(Levin, Fripp, Hunter, Gabriel e Fast).
Eu sinto que minha contribuição com Peter atigiu o pico criativo trabalhando nos discos PG3 e PG4 (conhecido como Security nos Estados Unidos). O trabalho de gravação, com a banda tocando ao vivo, foi captado muito bem no disco "Plays Live". É complicado escolher canções específicas desta época. Elas são muito diferentes e têm forças sonoras diferentes. Mas algumas que eu sempre gostei são "No Self Control" e "Biko", no PG3. Houveram também algumas músicas que foram gravadas para aquele disco, mas por várias razões nunca foram finalizadas. Algumas delas continham os momentos mais fortes para mim. No PG4, "Rhythm of the Heat", "San Jacinto", "Wallflower" e "Lay Your Hands on Me".

Não há muito o que dizer sobre o Serge Gainsbourg. Ele era um cliente do nosso estúdio, em New Jersey. Eu fui contratado para fazer alguns overdubs. Foi uma honra conhecer uma celebridade e trabalhar no seu disco. Nós conversamos um pouco e tínhamos algumas raízes étnicas em comum na Europa, antes da Segunda Guerra Mundial. Eu criei os sons que foram solicitados pelo produtor e pelo engenheiro, fui pago e segui meu caminho. Tudo muito profissional, muito rápido, como a maioria das outras sessões de gravação que fiz na região de New York, com artistas famosos e não tão famosos. Eu gostaria de ter mais a contar-lhe, mas sessões de gravação profissionais feitas por artistas experientes não tendem a ser muito dramaticas. O drama fica reservado à performance, como deve ser.

ASTRONAUTA - Em 1997 você tocou em um concerto com a Wendy Carlos e o Switched-on Bach Ensemble. Você poderia nos falar sobre esta experiência? Este concerto foi gravado ou filmado? Eu não encontrei nenhum vídeo - somente fotos - deste concerto...

O Switched-on Bach Ensemble, de Wendy Carlos!
LARRY - Mesmo tendo acontecido apenas um concerto, que não foi realizado uma segunda vez, foi um dos pontos altos da minha carreira. Foi um trabalho e tanto para mim. Wendy foi uma das minha primeiras amizades dentro da música eletrônica e nós dividimos muitas experiências no surgimento e desenvolvimento dos sintetizadores, gravação, computadores e tudo mais. Eu fiquei lisonjeado com o convite dela, para participar do conjunto. E também foi assustador. Embora eu tivesse algum estudo formal em piano e também alguns cursos acadêmicos de música, o restante do conjunto era formado por músicos com treinamento em conservatório e com anos de experiência em apresentações e performances acadêmicas no campo da música erudita.  Eu simplesmente não chegava naquele nível de treinamento clássico. Eu sabia que teria que praticar mais do que qualquer coisa que eu havia feito com Peter Gabriel ou o Nektar em turnês. Eu passei meses com as partituras do Bach, aprendendo, praticando e aprimorando minhas partes de "orquestra" eletrônica para que tudo desse certo, que eu fosse perfeito na noite da apresentação. Eu não consegui atingir a perfeição completa, mas fiz o melhor possível. Mais importante do que isso, não fiz nada que pudesse derrubar minha amiga Wendy ou algum dos meus colegas, músicos altamente treinados. Foi bem diferente de qualquer outro concerto que eu tenha feito na minha vida.

O Switched-on Bach Ensemble, de Wendy Carlos!
Não houve gravação ou registro em vídeo profissional do concerto. Eu fiz algumas gravações com uma câmera de vídeo, durante os ensaios, e eu acredito que os outros músicos tenham feito gravações de áudio profissional das sessões de ensaio. No show, o teatro e o Bach Festival proibiram quaisquer gravações de áudio ou filmagens feitas pelo público. Mas eu me lembro de ter visto trechos da apresentação, filmados com alguma câmera portátil que entrou escondida na noite do concerto. Então, existe gravação disto em algum lugar, mas nada profissional. Para mim, minhas memórias são o suficiente.

ASTRONAUTA - Você gravou 10 álbuns do projeto Synergy, usando tecnologias analógicas, digitais e híbridas. Como as mudanças ocorridas nas tecnologias afetaram os métodos de composição e de gravação da sua música? Você ainda tem algum dos equipamentos analógicos que você utilizou para gravar seus primeiros discos? Qual seu sintetizador analógico preferido? 

LARRY - Eu ainda possuo quase todo o equipamento, tanto analógico quanto digital, que tive algum dia. Muitos deles estão guardados na minha casa. Minha carreira foi ficando mais refinada e passei a ter maior controle no que diz respeito ao processo de gravação e em sintetizar sons.  Nos primeiros tempos, os sintetizadores e equipamentos analógicos eram gravados direto na fita, mas minha evolução para o digital começou em 1974, com um sequencer digital da Oberheim, que eu utilizava para controlar o Moog e outros módulos de sintetizadores analógicos. Logo depois, no final de 1975, tive a oportunidade de realizar um projeto no Bell Laboratories, utilizando síntese digital e gravando em grandes computadores. Os horizontes sonoros ampliados e a maior possibilidade de controle fizeram o analógico me parecer um tanto quanto primitivo. Fui fisgado pelo digital na época. Mas o preço e o tamanho absurdo do equipamento inviabilizava utiliza-lo na maior parte das gravações e turnês. No ano seguinte eu consegui meus primeiros micro-computadores e passei a ter controle digital sobre o meu sintetizador Moog. Logo depois disto, eu fiz algumas gravações utilizando síntese digital no Bell Labs. Incluí estas gravações dentro de algumas composições gravadas de maneira analógica, nos discos do meu projeto Synergy. O caminho para um futuro digital me foi apresentado nos anos 70. Na maior parte da minha carreira, enquanto utilizava a tecnologia analógica, eu fiquei contando o tempo, esperando que a tecnologia digital se tornasse menor, mais barata e mais confiável para que pudesse ser retirada dos laboratórios e assim se tornar uma ferramenta que eu pudesse utilizar, como compositor e produtor. Tenho seguido firme dentro do campo digital por quase 40 anos mas, por necessidade, eu continuava a utilizar as ferramentas analógicas que estavam disponíveis.

Meus equipamentos analógicos preferidos eram os módulos da Moog, que eram construídos e calibrados dentro dos mais altos padrões profissionais. Eles realmente eram os melhores equipamentos produzidos naquela época. Como instrumento polifônico na era pré-digital, tenho que dar crédito ao sintetizador híbrido analógico-digital Prophet 5, da Sequential Circuits, como o mais próximo dos padrões Moog de qualidade. Eu também levo muito em consideração os produtos feitos pela Oberheim, embora eu não tenha muitos dos seus produtos.

O uso que tenho feito do controle dos equipamentos analógicos por computador, desde os primeiros tempos (cerca de 35 anos atrás), agora evoluiu para um ambiente totalmente digital, tanto para síntese quanto para gravação.

O Switched-on Bach Ensemble, de Wendy Carlos!
(Christian Martirano, Ettore Stratta, Wendy Carlos, Jordan Rudess,
Gloria Cheng, Matthew Davidson, Clare Cooper, Mayumi Reinhard e Larry Fast).
Tony Levin Band (Pete Levin, Jerry Marotta, Jesse Gress, Tony Levin e Larry Fast).
Equipamento utilizado por Larry Fast nos anos 70,
quando tocava na banda de Peter Gabriel.